Carlos Saura contó con una amplia filmografía, llena de novedades, y con gran reconocimiento internacional. No en vano estuvo nominado a los Oscars por mejor película extranjera en tres ocasiones: Mamá cumple cien años (1979), Carmen (1983) y Tango (1998), esta última bajo pabellón argentino.

Fue mucho más que un director cinematográfico. Se movió entre el cine, la literatura, la pintura y la fotografía. Consagrado fotógrafo desde su juventud, compartió la dedicación a la pintura con su hermano Antonio, se empleó a fondo en el guion y en la dirección teatral. En la pantalla, reescribió los géneros, abrió caminos y transformó el panorama español.

Se inició en las proximidades del neorrealismo con Los golfos (1959), que estuvo nominada a la Palma de Oro, en Cannes, y le hizo director de culto en el país vecino, hasta su muerte. Se centró entonces en un tema muy de moda en la cultura europea del momento: La juventud abandonada a su suerte, que abordaron Visconti en Rocco y sus hermanos (1960) o Marco Ferreri en Los chicos (1959).

Poco después, inició una relación profesional con Elías Querejeta, que culminó, primeramente, en La caza (1965), la cual se iba a llamar «la caza del conejo». La censura obligó a prescindir «de conejo» y, con independencia de ello, se convirtió en la gran crónica de la realidad española, salida de la Guerra Civil, en tono de pura metáfora. Los siguientes trabajos, producidos en la década de los setenta, como El jardín de las delicias (1970), Ana y los lobos (1972), La prima Angélica (1973), Cría cuervos (1975), Elisa, vida mía (1976) o Mamá cumple cien años (1979), profundizan en el discurso metafórico e intimista. Son introspecciones en los viejos fantasmas de nuestra burguesía, absolutamente excepcionales respecto a lo que se hacía entonces en España.

Carlos Saura siguió afrontando nuevos retos y cambiando de registro. Se acercó al cine quinqui en Deprisa, Deprisa (1981), premiada con el Oso de Oro en el Festival de Berlín. Pasó por el cine de reconstrucción histórica desde la emoción de los sentimientos en ¡Ay, Carmela! (1990), por la épica fatalista en El Dorado (1988), por la mística en La noche oscura (1988), por las búsquedas de las raíces desde de la mirada de un niño en Pajarico (1997) o por el drama rural en El séptimo día (2004), a la que todavía hoy, la reciente As bestias (Rodrigo Sorogoyen, 2022), debe mucho. Basada en los hechos reales acontecidos en Puerto Hurraco, en agosto de 1990, que se saldaron con nueve muertos, descontextualizó el argumento con el objetivo de mostrar que ese drama podía haber ocurrido en cualquier otro lugar del mundo rural. Así, los nombres de las dos familias protagonistas son otros. Tampoco se rodó en Puerto Hurraco, sino en varios pueblos de la provincia de Segovia, y la fecha del suceso se adelanta dos años, con el recurso de mostrar televisiones que retrasmiten los Juegos Olímpicos de Barcelona de 1992, queriendo indicar que lo narrado transcurre entonces y no cuando pasó en la realidad.

Pero, uno de sus grandes méritos estuvo en las reinterpretaciones que hizo del musical cinematográfico en la trilogía Bodas de sangre (1981), Carmen (1983) y El amor brujo (1986), con Antonio Gades como protagonista. En ella, ese género en España dejó de ser «película con canciones» y alcanzó una identidad propia y una enorme visualidad, dada por sus espectaculares escenografías, situadas a la cabeza de la vanguardia. La representación de La danza del fuego de El amor brujo entra en los anales de la Historia del Cine. Era una pieza que el director conocía bien ya que su madre, pianista en su juventud, la tocaba con frecuencia cuando él era niño, y se rodó en los antiguos estudios Bronston, donde se construyó un escenario «exterior», dotado de luz espectral y personalizado con montículos de chatarra en forma de esculturas metálicas. La ruptura con los decorados de cartón piedra, que simulaban una cueva del Sacromonte granadino y que estaban en las anteriores versiones de Antonio Román (1949) o de Rovira-Baleta (1967) fue total.